Drehbuch schreiben für Film, TV und Serien: die ultimative Anleitung für erfolgreiches Scriptwriting

Du hast eine geniale Idee? Und träumst davon, als Autor eine Story für einen Film zu verfassen? Oder du suchst eine Vorlage für ein Filmscript? In diesem Artikel findest du die ultimative Anleitung zum Drehbuch schreiben.

Um ein Drehbuch zu schreiben, musst du als Einsteiger einiges wissen und beachten. Ob du mehr über Storytelling und die Definition von Turning Points lernen willst, oder Tipps für das Verfassen von Dialogen oder das perfekte Filmende suchst, oder eine Drehbuch-Vorlage:

Wir erklären hier auf einfache Weise, was beim Verfassen eines erfolgreichen Drehbuchs wichtig ist. Und welche Dinge du dabei berücksichtigen musst. Damit du deine Story nicht für den Papierkorb schreibst. Sondern für den Zuschauer und die große Leinwand oder das Heimkino.

Du bekommst dabei nicht die kürzestmögliche Anleitung zum Verfassen eines Drehbuchs. Sondern die Bestmögliche. Denn auf dem Weg zum perfekten Filmskript gibt es auch keine Abkürzungen! Ich wünsche viel Spaß beim Lesen. Und beim Ansehen der Videos in diesem Beitrag. Wie auch beim Denken und natürlich beim erfolgreichen Schreiben deiner ersten Film- oder Seriengeschichte!

Anleitung zum Drehbuch schreiben

Beim Drehbuch erstellen musst du Inneres durch Äußeres sichtbar machen. Deshalb musst du in deinem Skript zeigen, »dass der Körper das Bild der Seele ist« (Ludwig Wittgenstein).

Alle Stufen zur Erarbeitung eines Scripts findest du nachfolgend ausführlich erklärt und beschrieben. Zusätzlich haben wir am Ende dieser Anleitung die 15 häufigsten Fehler zusammengefasst, die beim Schreiben eines Drehbuchs den Erfolg verhindern!

Beginne nicht gleich mit einem 90-Minuten Kinofilm! Sondern schreibe zuerst einige Kurzfilme. Dabei lernst du alles, was du später auch bei einem Drehbuch für das Kino, Fernsehen oder eine Serie benötigst, aber in kürzerer Zeit.

Auch beachten musst du bei der Frage, wie schreibe ich ein Drehbuch?: Die Form des Filmskripts ist ideal für die Verfilmung und fachkundige Leser, erschwert aber den Lesefluss. Ein Leser, der nicht an diese Form gewöhnt ist, wird deine Geschichte nur beschränkt verstehen.

Was verdient ein Drehbuchautor beim Film?

Ein Drehbuchautor, der noch nicht bekannt ist oder erst als Autor für Filme oder Serien zu schreiben beginnt, bekommt für ein Drehbuch (Kinofilm) zwischen € 15.000 und € 20.000. Für das Schreiben einer Folge einer TV-Serie liegt die Abgeltung bei etwa € 10.000 (pro Folge). Für einen Fernsehfilm erhältst du als Autor zwischen €30.000 und €50.000.¹ Zu beachten ist, dass für die Abgeltung der Autorenarbeit wesentliche Unterschiede zwischen einem Drehbuch für eine Serie und einem Kinofilm bestehen.

Das durchschnittliche Bruttogehalt als Autor für Drehbücher liegt in Deutschland bei rund €3.400 pro Monat. Das ergibt für das Drehbuch erstellen ein Jahresgehalt von etwas über € 40.000 pro Jahr. Aber selbstverständlich nur unter der Voraussetzung, du findest eine Produktionsfirma, einen Produzenten oder einen TV-Sender, der mit dir arbeiten will und das Filmskript kauft.²

Die Vorstufen zum Filmscript: Exposé und Treatment

Kein Künstler malt ein Bild, ohne vorab etliche Skizzen zu erstellen. Genauso wenig greift ein Autor direkt in die Tasten, um ein Drehbuch für eine Serie zu schreiben.

Das Basiskonzept für ein Screenplay ist das sogenannte Exposé. Es skizziert die Idee und verschafft seinem Leser einen ersten Eindruck von der Geschichte und ihren Figuren.

Anschließend an die Filmskizze wird das Treatment erfasst. Dieses zeigt bereits die Erzählung der Story in einzelnen Szenen, enthält damit alle wesentlichen Handlungsbögen, aber noch keine Dialoge und weitere Details.

Der Vorteil dieses Vorgehens: der Drehbuchautor arbeitet nicht ins Leere. Gleichzeitig hält sich das Risiko des Produzenten, die Entwicklung eines Films zu finanzieren, in kalkulierbaren Grenzen.

Ohne Schreibauftrag steht es einem Autor natürlich frei, so zu arbeiten, wie es ihm beliebt. Trotzdem empfehlen wir dir diese drei Schritte: vom (1) Exposé über das (2) Treatment zum (3) Drehbuch.

Was macht ein gutes Drehbuch aus?

Ein Drehbuch ist ein 90- bis 120-seitiges Text-Dokument. Es wird auch Skript oder Filmskript genannt. In diesem Artikel findest du dazu eine Anleitung.

Es kann eine erfundene Story sein. Oder auf einer wahren Geschichte oder einem vorher geschriebenen Stück basieren, wie einem Roman, Theaterstück oder einem Zeitungsartikel. Falls du eine solche Grundlage für eine Verfilmung adaptierst, benötigst du alle für eine Bearbeitung notwendigen Rechte!

Film ist ein visuelles Medium. Beim Drehbuch schreiben muss der Autor zeigen, was passiert.

Erzählen allein reicht nicht.

Ein Drehbuch ist also wie ein Film, richtig? Nein, ist es nicht! Das Filmskript ist eine geschriebene Geschichte. Diese wird – wenn sie von den richtigen Leuten aus der Filmindustrie geliebt wird – später vielleicht irgendwann einmal als Film produziert.

Ja, Autoren sollten sich ihr Drehbuch als Film vorstellen. Was bedeutet, visuell zu schreiben, Handlungen und Konflikte zu externalisieren und Form und Funktion passend zu wählen. Nichtsdestoweniger muss die Geschichte erst mal erzählt werden.

Das bedeutet, dass die narrativen Absichten des Autors im Skript und beim Drehbuch schreiben glasklar sein müssen. Alle mit dem Plot verbundenen Ideen und die Handlung selbst müssen für den Leser absolut nachvollziehbar und transparent sein. Ebenso die einzelnen Szenen, Momente, der Subtext (mehr dazu später) und emotionale Nuancen.

Wenn ich in einem Roman behaupte, dass zwei Figuren sich ineinander verlieben, dann glaubt mir das der Leser. Im Film, wo man diese Figuren sieht, wo sie zum Leben erweckt werden, müssen ihre Motive viel plausibler sein.
Thomas Meyer

Im Kern ist ein Drehbuch die Blaupause für den Film, der erst in einem nächsten Schritt daraus entsteht. Später übersetzen die Profis am Filmset, darunter Produzent, Regisseur, Bühnenbildner und Schauspieler, die Vision des Drehbuchautors. Dies mit ihren individuellen Ansichten und Talenten. Darum muss sich ein Drehbuchautor stets bewusst sein, dass die Entstehung eines Films letztlich eine kollaborative Kunst ist.

Anstatt eine Geschichte für einen Leser zu schreiben, schreibst du als Autor einen Film für einen Produzenten. Anstatt eine Story zu erzählen, erklärst du mit deinem Filmscript einen Film.

Drehbuch schreiben: Vorlage / Beispiel

«American Beauty» ist Beispiel, geschrieben von Alan Ball. Es wurde von Sam Mendes mit Kevin Spacey, Annette Bening und Thora Birch verfilmt. Der darauf basierende Spielfilm erhielt 5 Oscars. Darunter derjenige für das beste Originaldrehbuch.

Hier findest du das Drehbuch (englisch) als Beispiel und zur Vorlage

Die Rolle der Story beim Schreiben eines Drehbuchs

Filme sind ohne Dramaturgie langweilig. Deine Filmstory muss sich dramatisch erzählen lassen. Drama bedeutet wörtlich „Aktion“ (handeln, eine Handlung auslösen).

Als Autor musst du beim Drehbuch schreiben alle Regeln und Hintergründe kennen, die im Universum deiner Geschichte gelten. Umgekehrt braucht dein Publikum nur diejenigen Informationen, die Spannung erzeugen und beim Verständnis helfen. Zu viele Details und Hintergrundinformationen verwirren.

Was für eine Filmstory willst du erzählen? Kannst du in einem einzigen Satz sagen, um was es geht? Was für eine Rolle spielen dabei Genres wie Thriller oder romantische Komödie?

Es gibt nur wenige Dinge, die schlimmer sind als ein Horrorfilm, der sich plötzlich in eine Romanze verwandelt (oder andersherum). Die Kollision von Genres funktioniert nur, wenn sie intelligent gehandhabt wird. Es kommt darauf an, wie sich das Erlebnis für den Zuschauer anfühlt. Was ist der Ton und das Gefühl der Story? Ist das Filmerlebnis für den Zuschauer konsistent und kohärent?

Auch die emotionale Reaktion, die du mit dem Film hervorrufen willst, ist beim Drehbuchschreiben wichtig. Welche Reaktion möchtest in den unterschiedlichen Szenen du hervorrufen? Willst du etwas so Bewegendes zeigen, dass deine Story das Publikum zu Tränen rührt? Oder soll das Gelächter im Kino nicht mehr aufhören? Oder willst du den Zuschauern die Haare zu Berge stehen lassen?

Schreibe nichts, was nicht brennt in dir! Denn dann wird deine Filmerzählung – im besten Fall – gutes Handwerk sein. Das reicht nicht! Du musst beim Drehbuch schreiben deine Story ein- und ausatmen. Was immer du erzählst, es muss ein Teil von dir sein.

Storyforming und Storytelling beim Drehbuch schreiben

Zwischen der Frage, um was es in einer Geschichte geht und der Art, wie sie erzählt wird, gibt es einen wichtigen Unterschied. Jede Kommunikation zwischen einem Drehbuchautor und seinem Publikum besteht darum aus zwei Teilen: dem Storyforming und dem Storytelling.

Ein Drehbuch-Beispiel:

Das Storyforming der Geschichte erfordert im Drehbuch eine Szene, die den Kampf zwischen Moral und Eigennutz beschreibt. Der Autor erfindet einen Mann, der einem Baby Süßigkeiten stiehlt. Ein anderer Drehbuchautor zeigt das Mitglied einer verirrten Schar Touristen in der Wüste, das das letzte verfügbare Wasser für sich selbst hortet. Sowohl das, was illustriert werden soll, als auch die Art und Weise, wie es illustriert wird, erfüllt in beiden Handlungen den Auftrag des Plots.

Eine weitere Möglichkeit, sich den Unterschied zu vergegenwärtigen, besteht darin, sich drei verschiedene Künstler vorzustellen, die jeweils ein Bild derselben Rose malen. Einer mag wie ein Picasso malen, einer wie ein Rembrandt, der Dritte wie Van Gogh, doch jeder beschreibt die gleiche Rose. Ebenso werden verschiedene Autoren die gleiche Story auf dramatisch unterschiedliche Weise erzählen. Das ist Storytelling.

Als Autor die richtige Prämisse erarbeiten

Vor dem Drehbuch-Aufbau kommt die Prämisse.

Die Konstruktion einer wirkungsvollen dramatischen Erzählung beginnt immer mit einer Annahme (Prämisse). Sie ist das Katapult für deine Geschichte. Sie fängt immer mit der Frage an «Was passiert, wenn …?» Der Duden definiert den Begriff sinngemäß als: „erster Satz einer logischen Kette“.

Viele Prämissen beginnen als eine sehr allgemeine Idee oder Vorstellung – z. B. ein Riesenhai greift einen Haufen Schwimmer an und der Protagonist muss den Hai töten. Das klingt cool, ist aber zu allgemein, um zu funktionieren – es fehlt an Details und Spezifität.

Leider ist dies auch der Punkt, an dem viele angehende Autoren von Filmskripts bereits aufhören, weiter über die Prämisse nachzudenken. Sie entwickeln die Ideen nie über die ersten großen Striche hinaus. So entstehen dann Drehbücher, die geprägt sind von Haifisch-gegen-Mensch, aber die nie Geschichten aus der Tiefe heraus erzählen.

Neue Autoren haben oft Angst, dass alles schon einmal gesagt wurde. Natürlich wurde es das, aber nicht von dir.
Asha Dornfest

Wenn du beim Drehbuch schreiben über eine Prämisse nachdenkst, musst du über das Allgemeine hinausgehen. Du musst dein Konzept so detailliert und spezifisch wie möglich gestalten. Dies, damit deine Prämisse den Bogen der gesamten Story, die du erzählen willst, korrekt abbildet.

Die konkrete Anwendung am Beispiel eines Drehbuchs („Der Weiße Hai“ von Steven Spielberg):

Weil ein riesiger Hai einen Schwimmer in den Gewässern einer Kleinstadt an der Küste Neuenglands angreift, will der örtliche Polizeichef die Strände schließen. Er denkt daran, einen professionellen Haifischjäger anheuern, um das Tier aufzuspüren und zu töten. Doch die Stadtoberhäupter – besorgt, dass die Nachricht von einem Haiangriff die Sommertouristen abschrecken und Tourismuseinnahmen der Stadt gefährden könnte – drängen den Mann zum Schweigen.

Er willigt ein. Nachdem der Hai weitere Touristen getötet hat, stellt sich der Polizeichef endlich gegen den Bürgermeister, schließt die Strände und macht sich auf die Jagd nach dem Raubtier.

Dies ist eine viel kraftvoller entwickelte und viel spezifischere Prämisse, die nicht nur die Idee wiedergibt, sondern auch ein Gefühl vermittelt, wie der Film sich anfühlen wird. Mit einer solcherart formulierten Prämisse kann man als Autor arbeiten. Auf einer derartigen Basis kann mal als Autor mit gutem Gewissen das Drehbuch schreiben.

Anleitung: Deinen Film- oder Serien-Plot ausarbeiten

Sobald du die detaillierte Prämisse ausgearbeitet hast, kannst du deinen Plot zu bauen beginnen. Der Plot ist nichts anderes als der dramaturgische Handlungsverlauf. Er zeigt keine Momentaufnahme, sondern die Entwicklung einer Story über den Verlauf einer Geschichte. Dabei gibt es beim Drehbuch schreiben bestimmte Elemente, die jede Handlung enthalten muss:

Konkret kann das für die Hauptperson in deinem Filmdrehbuch dann so aussehen:

Hast du den Plot ausgearbeitet, und erst dann, kannst du deine Handlung beim Drehbuch schreiben weiter strukturieren.

Genre für das Drehbuchschreiben auswählen

Genres teilen Filme in Kategorien mit Spielregeln ein. Jedes Genre ist eine Abmachung mit dem Zuschauer. Diese Kategorisierung ermöglicht es dem Kinopublikum (und beim Drehbuch schreiben dem Drehbuchautor), zu wissen, auf welche Art Film man sich einlässt.  Nicht wahr ist: Die Einordnung eines Films in ein bestimmtes Genre schmälert die Qualität des Films nicht. Das Gegenteil ist richtig.

Das Genre bestimmt als Filmgattung nicht nur Originalität und Kreativität mit. Die Einordnung einer Erzählung in ein Genre hilft auch bei der Gestaltung der Charaktere und der Art des Erzählens der Geschichte des Films. Form und die Handlung beeinflussen sich hier wechselseitig.

Du kannst dir das mit einer einfachen Formel merken:

Diese vier Kernelemente unterscheiden die Filmarten voneinander.

Manche Genres haben eigene Untergruppen (Subgenres). Bekannte Filmgenres sind der Kriminalfilm, der Kriegsfilm, Western, Spionagefilme, Abenteuerfilme, Science-Fiction, Horror, Fantasy, biografische Filme und Mysteryfilme. Auch das Drama kann als Genre betrachtet werden. Damit sind allerdings nicht alle Autoren einverstanden, weil die Themenfelder eines Dramas sehr breit und allgemein sind.

Einige Drehbuch-Beispiele:

• Beim Western, als ist der Hauptdarsteller oder Protagonist ein Individualist, der aus einem bestimmten Grund in die Stadt reitet. Die Charaktere und die Story sind wenig differenziert. Gut ist gut und Böse ist böse. Das Interesse des Kinozuschauers gilt der sich entwickelnden Handlung. Diese fesselt ihn mit Spannung und Action-Elementen.
• Anders der Kriegsfilm. Er dreht sich um den inneren Konflikt mit dem Umgang des Hauptdarstellers mit dem Krieg. Die Charaktere und die Geschichte behandeln zentrale Fragen wie Verlust, Tod oder Freiheit. Die Handlung kann dabei auch weit entfernt von der Front stattfinden.
• Auch im Horror-Film geht es um innere Konflikte. Diese müssen aber nicht gelöst werden, um den äußeren Zustand (Frieden) wiederherzustellen, sondern um das Monster zu besiegen.

Viele Filme kombinieren Filmgattungen (sog. Genre-Mix). Der Abenteuerfilm kann auch ein Spionagefilm sein. Der Krimi auch ein Science-Fiction-Film. Trotzdem steht dabei aber meist ein Genre im Vordergrund.

Und aufgepasst: Film Noir, Thriller und Actionfilme sind keine Genres. Bei diesen Bezeichnungen geht es um den Stil der Regie. Diese Art Filme zeichnen sich durch die Inszenierung, Kameraführung und Schnitt aus. Diese Faktoren akzentuieren zwar ebenfalls ein Filmgenre, sie definieren es aber nicht.

Auch Musicals und Animationen gelten nicht als Genres, sondern als Form der Inszenierung. Trotzdem werden Musical-Filme seit Jahrzehnten als Genre bezeichnet.

Erarbeite einzigartige Charaktere für Filme oder Serien

Alle Ideen für eine Filmhandlung sind nur so gut wie die Figuren, die sie vorantreiben. Charaktere sind die Personen, die in deinem Film vorkommen. Sie sind das Kriterium, das großartige Drehbücher von nur kompetenten Drehbüchern trennt – und den talentierten Schriftsteller vom Handwerker.

Es gibt eine Menge Dinge, an denen du arbeiten kannst, um das Filmskript und dein Handwerk zu verbessern und zu verfeinern: Struktur, Dialog, Formatierung, szenisches Schreiben. Wenn die Charaktere nicht funktionieren, wird das Schreiben des Drehbuchs für dich nicht nur ein Krampf, sondern auch ein Kampf sein.

Charaktere müssen alles, was in deinem Film passiert, aus einer Motivation angehen. Sie haben immer ein Motiv. Du kannst dabei auch mit Motiv-Verdoppelungen arbeiten. Ob die Hauptfiguren nun Menschen, Aliens, Tiere oder Roboter sind: Um großartige Filmfiguren zu erfinden, musst du wissen, wie die Welt aus ihrer Sicht aussieht.

Du musst in die Schuhe der Filmfiguren treten und die Welt aus ihrer eigenen Perspektive sehen. Erst wenn du das weißt, erst dann kannst du wissen, wie die Filmcharaktere in jeder Situation instinktiv handeln und reagieren. Daraus wächst Authentizität. Ungeachtet dessen, ob du ein Drama oder eine Komödie schreibst.

Gute Charakterisierungen sind die Nahrung, die du als Autor für dein Filmskript und beim Drehbuch schreiben für überzeugende Filmgeschichten benötigst!

Die Hauptfigur in deinem Film darf nicht wie alle anderen Charaktere sein. Auch wenn sie Eigenschaften und Facetten haben kann, die wir in anderen Rollen (und Menschen) erkennen. Etwas muss sie über den Durchschnitt heben. Erst diese Eigenschaft macht sie zur Hauptfigur.

• Was ist das Besondere an den Figuren?
• Welche Dinge machen das Einzigartige an ihnen aus?

Deine Figuren müssen emotional ansprechend sein. Als Zuschauer verbringen wir viel Zeit mit deinen Figuren. Wir sehen, was sie als Nächstes tun.

Das Kinopublikum will Angst um die Sicherheit der Filmcharaktere haben. Oder über ihre Fehler lachen. Aber: Das Publikum muss die Charaktere nicht mögen oder bewundern.

Charaktere sind der Herzschlag jeder großen Filmidee, jeder großen Geschichte, jedes großen Drehbuchs.

Auch wenn du es beim Drehbuch schreiben vielleicht im ersten Anlauf noch nicht schaffst, alle Dinge in deinem Filmskript richtigzumachen: wenn du Charaktere erfunden hast, mit denen das Publikum wirklich Zeit verbringen will, dann hast du schon mal etwas ganz Besonderes geleistet und bist einen wichtigen Schritt weiter.

Warum die Wahl der Erzählperspektive beim Drehbuch schreiben der Schlüssel ist

Die Erzählperspektive bezieht sich auf den Blickwinkel, aus dem du deinem Leser die Geschichte erzählst. Es gibt verschiedene Arten von Blickwinkeln auf jeden Filmplot. Welcher für dich der richtige ist, musst du beim Schreiben eines Drehbuchs selbst entscheiden.

Du kannst nur entscheiden, ob die Perspektive auf die Ereignisse bewusst oder unbewusst ausgewählt ist. Denk daran: Ohne Perspektive kannst du nicht schreiben.

Dein Drehbuch kann auch zwischen unterschiedlichen Erzählperspektiven wechseln. In der Montage zeigt sich das oftmals am Einsatz der Parallelmontage.

Für einen Kurzfilm ist es am besten, den Standpunkt eines Charakters zu wählen und dabei zu bleiben – also bei einer einzigen Erzählperspektive zu bleiben. In den meisten Fällen ist der Blickwinkel derjenige der Figur, mit dem sich der Leser am ehesten identifizieren kann.

Das gilt auch allgemein und für Langspielfilme: Kindergeschichten haben in der Regel eine Erzählperspektive und einen Hauptdarsteller, der in etwa dem Alter des Zielpublikums entspricht, und die meisten (wenn auch nicht alle) Geschichten von Filmen und Serien, die auf ein weibliches Publikum zielen, werden darum beim Drehbuch verfassen aus der Sicht einer Frau erzählt.

In einer längeren Handlung kannst du, wenn es die Story im Film erfordert, zwischen den Standpunkten mehrerer Charaktere wechseln. Bitte beachte die Betonung im vorigen Satz: „Wenn es die Story erfordert“. Auch wenn es auf den ersten Blick nicht so aussieht, so ist diese Entscheidung ebenso kritisch wie wichtig.

Wenn du willst, dass sich das Publikum stark mit deiner Hauptfigur identifiziert, um die Ereignisse der Filmhandlung so zu erleben, wie sie diese Figur erlebt, musst du versuchen, für die Dauer der Geschichte in der Sichtweise dieses Charakters zu bleiben.

Beabsichtigst du, dass der Zuschauer versteht, warum diese Hauptfigur in Gefahr ist, ohne dass diese sich selbst darüber bewusst ist, dann musst du vielleicht zusätzlich auf den Blickwinkel einer anderen Person zugreifen. Dasselbe gilt, wenn du zwei Seiten derselben Geschichte zeigen willst (z. B. aus der gegensätzlichen Perspektive von zwei verliebten Menschen. Oder wenn du aus Gründen der Klarheit oder zum besseren Verständnis etwas erzählen willst, das passiert, aber von dem dein Protagonist nichts weiß.

Auf jeden Fall: in der Sichtweise jedes Charakters kannst du nur das berichten, was dieser Charakter direkt erleben kann. Oder was er aus den Reaktionen anderer Charaktere ableitet oder im Gespräch mit anderen Charakteren lernt.

Anleitung: Die 3-Akt Struktur beim Drehbuch Schreiben anwenden

Wirkungsvolle dramatischen Geschichten folgen im Drehbuchaufbau erstaunlicherweise meist derselben Grundstruktur. Diese dreiteilige Struktur ist kein todsicheres Erfolgsrezept. Aber sie hilft, deine Story logisch und nach dramaturgischen Kriterien durchzudenken. Scheiterst du dabei, wirst du wahrscheinlich auch mit der Story des Films gegen eine Wand fahren.

Die klassische 3-Akt-Struktur gliedert den Plot in drei Akte. Die klassische dreiteilige Filmdramaturgie ist so aufgebaut:

1. Akt

Im 1. Akt wird der Ausgangspunkt des dramaturgischen Bogens des Protagonisten vorgestellt. Wenn sich der Protagonist im Laufe der Geschichte von einem Feigling in einen Helden verwandelt, führt der erste Akt den Protagonisten als Feigling ein. Nur so kann ein Call to Action und die Verwandlung zum Helden später erfolgen.

2. Akt

Während dem 2. Akt der Story führt der Protagonist seinen Plan zur Überwindung der Probleme aus, mit denen er im vorherigen Akt konfrontiert wurde. Dabei begegnet er einer Reihe von immer schwierigeren Hindernissen.

3. Akt

Erst nach Beginn des 3. Aktes überwindet der Protagonist die Probleme. Und damit in der Regel auch den Widerstand des Antagonisten. Möglich wird dies erst, wenn die Hauptfigur im Film gelernt hat, ihre inneren Dämonen zu überwinden. Damit und mit der damit verbundenen Selbsterkenntnis werden Energien frei.

Jede kreativ erfolgreiche dramatische Erzählung aus Hollywood folgt in der Regel dem Paradigma der 3-Akt-Struktur. Wenn du es nicht glaubst, wähle einen großen Film und analysiere dessen Aufbau und Struktur!

Setze Wendepunkte (Turning Points / Plot Points)

Wendepunkte (auch als Turning Points oder Plot Points bekannt) können beim Drehbuch schreiben in der Handlung oder in den Emotionen eines Charakters stattfinden. Sie bezeichnen denjenigen Moment in einer Szene, in dem die Handlung eine neue Wendung nimmt.

Der Punkt in deiner Erzählung, an dem der Protagonist oder Erzähler einen Wendepunkt erreicht, wird durch die Dramaturgie und Struktur des Skripts bestimmt – und steht gleichzeitig mit diesen Faktoren in einem Wechselverhältnis. Wendepunkt und Dramaturgie beeinflussen sich wechselseitig.

Natürlich muss ein Wendepunkt organisch aus der Handlung hervorgehen. Sonst ist ein Wendepunkt nicht glaubwürdig. Wenn du von einem Polizeichef erzählst, der panische Angst vor dem Wasser hat und der sich trotzdem dazu entscheidet, auf dem Meer gegen den weißen Hai zu kämpfen, musst du uns schon vorher nicht nur seine Angst vor einer Konfrontation mit sich selbst zeigen, sondern vor allem die Faktoren, die den Polizeichef zum Umdenken bringen, glaubwürdig darstellen.

Filmscripts haben in der Regel einen Umfang zwischen 90 und 120 Seiten. Dabei gibt es beim Drehbuchschreiben in der Regel fünf wichtige Ereignisse – oder eben: Wendepunkte.

Die Normalität des Lebens des Hauptcharakters wird durch den ersten Wendepunkt radikal gebrochen. Dadurch starten die großen dramaturgischen Bögen, die den Zuschauer in die weitere Handlung einsaugen.

Meist „tickt“ in einer guten Filmstory eine innere oder äußere Uhr: Die Zeit läuft ab, die dem Hauptdarsteller bleibt, um seine Mission zu erfüllen. Oder die Handlungsoptionen nehmen plötzlich rapide ab. Der Protagonist muss sich darum stärker denn je auf sein Ziel konzentrieren. Oder sterben.

Der Höhepunkt ist die größte Szene des Films. Es ist der letzte Kampf zwischen Recht und Unrecht. Das Ringen zwischen Gut und Böse. Die Hauptfigur will in Akt 3 die Kontrolle zurückgewinnen. Sie rettet sich und die eigenen Lieben. Und als Zugabe oft auch noch die ganze Welt.

Wie schreibe ich als Drehbuchautor gute Szenen für Film und TV?

Eine Szene ist die Kombination aus Zeit, Ort und Handlung, mit der du einen wichtigen Moment oder ein Ereignis in der Geschichte einrahmst und zeigst. Damit deine Story sich vorwärtsbewegt, sind Szenen unumgänglich. Szenen, in denen Dinge nur erklärt werden, sind keine Szenen, weil nichts wirklich geschieht.

Leser und Publikum erleben eine Geschichte, denn der Autor verführt sie beim Drehbuch schreiben zu einer Reise. Jeder Autor arbeitet mit einer Struktur aus unterschiedlichen Akten. Meist sind es drei.

Der Akt ist in der Filmdramaturgie eine spürbare Verschiebung oder Spaltung im dramatischen Fluss einer Filmerzählung. Diese wird durch die Konvergenz der Dynamik von Charakter, Thema und Handlung bestimmt. Jeder Akt setzt sich aus einer gewissen Anzahl Szenen zusammen.

Szenen zeigen die Konflikte und Spannungen, Dilemmas und Entscheidungen, Handlungen und Reaktionen der Charaktere, welche die Geschichte antreiben. Aber es geht in Szenen nicht nur um das, was explizit gezeigt wird. Ein großartiges Filmskript benötigt Subtext: Dinge, die sich unter der Oberfläche abspielen, stille Gespräche, die jenseits des Gesagten existieren.

Wie schreibe ich ein Drehbuch?  Stelle dir vor jeder Szene, die du schreiben willst, immer folgende Fragen:

Szenen sind keine isolierten Einzelteile. Die Gegenüberstellung mit der vorhergehenden und nachfolgenden Szene ist entscheidend. Die Position innerhalb der Geschichte und die Wirkung auf die anderen Szenen ist immer auch Teil der Funktion und Wirkung einer Szene.

Wenn alle deine Szenen beim Drehbuch schreiben ähnlich aussehen, gleich klingen und sich identisch anfühlen, dann wird dein Plot stinklangweilig. Jede Szene benötigt einen bestimmten und einzigartigen Zweck. Erst wenn du die Funktion jeder Szene benennen kannst, bist du auf dem richtigen Weg!

Wie schreibe ich gute Dialoge?

Schreibe die Dialoge immer erst am Schluss. Alles, was Bilder sagen können, musst du mit Bildern sagen. Dialoge schreiben hat eine andere Funktion. Dialoge sind weder Off-Kommentar noch die Stimme des Erzählers.

Beim Dialog geht es nicht nur darum, was die Charaktere sagen. Wichtiger ist, wie sie es sagen. Entscheidend ist, was eine Figur durch das ausdrückt, was sie sagt. Dialog ist nicht nur logisch. Er darf es nicht sein.

Guter Dialog macht deutlich, was die Menschen ihrem Gegenüber nicht sagen wollen oder nicht sagen können.
Robert Towne

Charaktere, wie Menschen, drücken sich nicht in einer perfekt zusammenhängenden Grammatik aus. Gesprochene Sprache ist nicht geschriebene Sprache! Große Charaktere haben in einem Filmdrehbuch eine erkennbare Stimme.

Wenn dein Charakter einen Akzent hat oder Dialekt / Slang spricht, dann schreibe das so. Aber sei damit sparsam und spezifisch! Wenn dieser Charakter in deinem Drehbuch mit Dialog das erste Mal in Erscheinung tritt, dann erwähne seinen Akzent.

Aber vermeide starke oder unlesbare Akzente. Du schreibst, damit dich der Leser versteht! Profis verwenden gerne nur wenige ausgesuchte, typische Wörter und Begriffe, die nur dieser Dialekt verwenden würde.

Wichtig sind also die «Zwischenräume» zwischen den Wörtern: entscheidend ist der Subtext.

Scriptwriting: Den Einstieg in die Story finden

Zu wissen, wo eine Geschichte beginnt, die man erzählt, ist untrennbar mit dem Ende der Geschichte verbunden. Du musst nicht alle Details des Endes kennen. Aber du musst wissen, wohin sich die Filmhandlung entwickelt.

Welche Art von Ende versucht du zu erreichen?  Tragisch, komisch, romantisch, aufregend, erschreckend, bittersüß, zweideutig?

Zu wissen, wohin du gehst, bedeutet, dass du die beste, fesselndste und aussagekräftigste Szene für den Anfang ausarbeiten kannst.

Der Anfang einer Erzählung hat die Aufgabe, die Aufmerksamkeit des Publikums sofort zu wecken. Der Anfang muss «den Boden unter den Füßen» des Zuschauers berühren. Das bedeutet nicht, dass es sich um eine Action-Sequenz handelt – es heißt, die Geschichte zu beginnen, indem man die Charaktere in Aktion zeigt. Man stellt klar, wer die Charaktere sind und was sie tun.

Mache dir bei Drehbuch verfassen keine Sorgen darüber, die Story vorzubereiten. Versuche nicht, sie «einzurichten» oder die Charaktere künstlich einzuführen. Starte mittendrin im Leben deiner Hauptfiguren. Die einzige Ausnahme sind Erzählungen im Stil von «Es war einmal».

Gehe sorgsam mit Hintergrundgeschichten um. Darin kannst du dich als Erzähler nur allzu leicht verstricken. Erkläre nicht zu viel und zu deutlich, was schon alles passiert ist, bevor das Publikum in deine Geschichte eingetaucht ist.

Stelle uns am Anfang diejenigen Personen vor, die wir als Publikum wirklich benötigen, um uns für deine Geschichte zu interessieren! Erst nachher musst du die Story voranzubringen, kannst du das Publikum überraschen und einen Gang höher (oder tiefer) schalten. Lasse dir beim Drehbuch schreiben etwas Bedeutendes für den Anfang deiner Handlung einfallen.

Du siehst, am wichtigsten ist es, dass du deine Story sorgfältig durchdenkst und planst, bevor du mit dem Schreiben beginnst.

Stelle sicher, dass du weißt, wie und wo dein Film beginnt, was zwischen Anfang und Ende passiert, und wie die Handlung endet. Skizziere den Ablauf in groben Handlungslinien. Das ist wie ein Puzzle. Frage dich, in welcher Reihenfolge du die Einzelteile zusammensetzt.

Überlege dir, wann der Zuschauer die ersten Muster erkennt. Bedenke, ob der Zuschauer sich dabei mit seinen Rückschlüssen irren oder ob seine Erkenntnisse in die korrekte Richtung führen sollen.

Wie schreibe ich ein Drehbuch? Verlass deinen Computer, mach einen Waldspaziergang und schau dir deine Charaktere an und frage dich, ob sie die Handlung vorantreiben. Wenn das nicht der Fall ist und deine Charaktere von der Story getrieben werden (statt umgekehrt), dann läuft normalerweise etwas schief mit deiner Geschichte. Erkennst du das schon jetzt, kannst du gegensteuern.

Scriptwriting: die Mitte als Brücke

Ein guter Anfang kann spannend sein, ohne dass wir die Gründe dafür und die Motivation der Charaktere bereits erkennen müssen. Spätestens im Mittelteil des Drehbuchs muss sich das ändern. Verstehe ich die Ausgangslage und Grundkonstellation der Figuren zu lange nicht, verliere ich als Zuschauer das Interesse an der weiteren Entwicklung der Geschichte.

Bei vielen Drehbüchern liegt die größte Herausforderung darum in der Mitte der Story. Die Mitte ist die Strecke, die den Anfang mit dem Ende verbindet.

Findet man heraus, wo man anfangen soll und wo man hin will, muss man den geeignetsten Weg für seine Charaktere finden, um von dem einen Punkt zum anderen zu gelangen. Im Genre Actionfilm erwartet man auf diesem Weg vom Anfang zum Ende hochkarätige Action, Spannung und Gefahr. Ist es eine Detektivgeschichte, will der Zuschauer Schritt für Schritt der Lösung näherkommen. Bei einer Liebesgeschichte gehen wir davon aus, dass die Hindernisse auf dem Weg zum Aufblühen der Liebe überwunden werden.

Ein gewisses «Durcheinander» ist spannungserzeugend. Aber anders als seine Figuren darf sich der Autor dabei nicht verirren.

Als Drehbuchautor darfst du Charaktere, Ereignisse, Handlungen und Konsequenzen manipulieren, musst diese aber jederzeit über alle Phasen des Drehbuchaufbaus immer unter Kontrolle haben. Du musst scheinbare Inkohärenz und Verwirrung immer zu einem Höhepunkt und einem Abschluss führen. Du darfst (ja musst) die Dinge für die Charaktere schwierig machen. Gleichzeitig gilt es, die Dynamik der Geschichte für das Publikum aufrechtzuerhalten. Das «Durcheinander» will also sorgfältig geplant sein.

Vergiss nie, das Publikum zu überraschen!

• Was wollen und was müssen die Zuschauer sehen?
• Welche Textpassagen kannst du weglassen?

Bring das Publikum dazu, Story, Charaktere und Ereignisse in einem neuen Licht zu sehen!

Wenn du diese Fragen nicht befriedigend beantworten kannst, wird dein Spielfilm oder deine Serienstory «hängen bleiben». Und dein Publikum auch.

Scriptwriting: Am Ende bleibt das Ende

Eine der großen Herausforderungen beim Drehbuch schreiben ist das Ende der Story. Vielfach ist dieses eine Enttäuschung. Banal, unbefriedigend und voraussehbar. Das Ende darf nicht vorhersehbar sein. Es kommt überraschend. Wenn wir voraussehen können, was passiert und wie wir dorthin kommen, dann ist das keine Überraschung. Sondern nur langweilig.

Was für eine Wirkung versuchst du mit dem Ende deiner Geschichte beim Zuschauer zu erzielen? Folgst du dem Ausgangspunkt und der Reise, die du mit uns und den Charakteren unternommen hast?

Großartige Film-Enden befriedigen das Publikum. Das bedeutet nicht, den Zuschauer einfach glücklich zu machen und offensichtlich zu sein. Diese Zufriedenheit basiert darauf, keine frustrierend offenen oder zweideutigen Enden zu haben.

Schlechte Filme verpuffen am Ende. Sie hören einfach auf, ohne dass ein wirkliches Gefühl des Abschlusses oder der Befriedigung entsteht.

• Großartige Enden erzeugen ein Echo.
• Schlechte Enden implodieren. Sie ärgern das Publikum, statt es zu respektieren.

Am Ende, wenn der Zuschauer den Fernseher abschaltet oder das Kino verlässt, bleibt das Ende in Erinnerung. Es ist das letzte und aktuellste Erlebnis, das er aus deinem Film mitnimmt. Das gilt auch für den Leser deines Film- oder Serienskripts. Dieser aber entscheidet zusätzlich, ob aus deinen Worten überhaupt je Filmbilder werden.

Was bedeutet beim Drehbuch verfassen Textur?

Das Wort Textur bezeichnet die Beschaffenheit einer Oberfläche. Beim Drehbuch schreiben kannst du mit der richtigen Beschreibung und Angabe von prägnanten Details dem Leser (und später dem Zuschauer) ein Gefühl für Lebensnähe, für die Welt und für die Echtheit deiner Charaktere in deinem Skript geben.

Jedes Detail der Beschreibung und des Hintergrunds eines Charakters zu erzählen, bis hin zur Anzahl der Sommersprossen am Ohr und wo die Person ihre Bluse gekauft hat (Galeria Kaufhof Berlin-Alexanderplatz, reduziert von €78.00 auf €38.00 wegen eines leichten Flecks auf dem Ärmel) ist unnötig. Das verwirrt nur oder lenkt ab.

Manchmal beschließen junge Autoren, ihrer Geschichte mit vielen Details zu mehr Glaubwürdigkeit zu verhelfen. Sie erklären über eine halbe Drehbuchseite, wie man einen Sprengsatz auf unkonventionelle Weise entschärft. Oftmals sind diese Details wichtig für die Entwicklung und Nachvollziehbarkeit einer Handlung. Trotzdem sollten Szenen mit technischen Informationen kurz bleiben. Du schreibst keine Anleitung, wie man als Laie ein Flugzeug pilotiert.

Abgesehen von der Reduktion der Länge solcher Beschreibungen kann man beim Drehbuch schreiben die Textur erheblich verbessern, indem auf die Wortwahl achtet.

Ein häufiger Grund, warum eine Szene oder Sequenz stecken bleibt oder ihren Fokus verlieren kann, ist, dass der Autor sie mit zu vielen Adjektiven belastet. Der Anfänger denkt, dass, wenn ein Adjektiv gut ist, drei Adjektive noch besser sein müssen. Das ist falsch! Das Zusammenfassen von Adjektiven führt dazu, dass sich deine Wörter gegenseitig bekämpfen, wobei eines das andere verschlingt, bis keine Wirkung mehr übrigbleibt.

Wenn du mehrere Adjektive kombinierst, haben mindestens zwei von ihnen meist eine ähnliche Bedeutung. Beispiel: „Sie war ein ruhiges, introspektives, schüchternes Mädchen“.

Ein Drehbuch erstellen heißt: umschreiben

Du hast deine Idee ausgearbeitet, herausgefunden, was für eine geniale Erfahrung es ist, Charaktere zu erschaffen und ein Drehbuch zu schreiben. Deine Geschichte ist sauber strukturiert, sie zum szenischen Leben gebracht und die Charaktere mit Liebe zum Leben erweckt. Du hältst ein Filmskript in deinen Händen und es fühlt sich gut an.

Trotzdem hast du noch nicht mehr als einen Entwurf! Genau das ist es: ein Entwurf.

Das ist für dich und deinen Film ein gefährlicher Moment. Jetzt musst du auf die Bremse treten. Beim Drehbuch schreiben bist du nämlich deinem Text zu Nahe gekommen, um ihn hart und kritisch beurteilen zu können.

Drehbuchschreiben ist wie Bügeln. Du gehst etwas vor und zurück und glättest die Dinge aus.
Paul Thomas Anderson

Drehbuch schreiben ist Umschreiben – ob auf der Seite oder im Kopf, über Tage, Wochen, Monate oder Jahre. Um zu schreiben und umzuschreiben, musst du deiner Arbeit viel Zeit und Raum geben.

Drucke dein Skript aus, lege es in eine Schublade oder in ein Regal und zwinge dich als Autor, dein Drehbuch für mindestens ein paar Wochen, wenn nicht länger, in Ruhe zu lassen. Du musst in der Lage sein, es später frisch und neu zu lesen. Um deine Subjektivität zu verlieren, benötigst du Zeit. Erst danach bist du bereit, dein Buch so objektiv wie möglich zu betrachten.

Das ist nicht einfach. Aber du musst es tun. Beachte bitte folgende bewährte Vorgehensweise, wenn du das Filmskript nach der Pause das erste Mal wieder in der Hand hältst.

Wenn du sehr viel Glück hast, ist dein Drehbuch ein Werkzeug in einem Produktionsprozess, der zahlreiche andere Menschen einbezieht. Sie alle werden etwas dazu beitragen, um die Worte, die du aufgeschrieben hast, zum Leben zu erwecken.

Darum gehe nie davon aus, dass das, was du geschrieben hast, genial ist. Vielleicht ist es das. Aber große Autoren neigen dazu, das Schlimmste anzunehmen, damit sie es noch besser machen können. Nimm dir daran ein Vorbild.

15 typische Anfängerfehler beim Verfassen eines Drehbuchs

Die richtige Formatierung und Seitenzahl

Ein Drehbuch hat zwischen 90 und 120 Seiten. Dabei verwendest du beim Drehbuch schreiben bitte immer

• Courier als Schriftart.
• und ist die Schriftgröße 12 PT.

Diese Vorgaben haben einen triftigen Grund! Eine korrekt formatierte Skriptseite in der Schriftart Courier entspricht im amerikanischen Papierformat etwa einer Minute Laufzeit / Handlungszeit im Kino oder am Fernsehen.

Drehbuchsoftware wie Final Draft, Movie Magic Screenwriter, Movie Outline und Montage (siehe nachfolgend) befreit dich von der Notwendigkeit, die Regeln der Formatierung und die Feinheiten der Ränder und Einzüge zu lernen.

Die Titelseite deines Drehbuchs

Genau wie für das Drehbuch schreiben und zur Formatierung eines Filmskript gibt es (ganz besonders in den USA) sehr spezifische Regeln für das Binden und Präsentieren eines Skripts. Das hilft dem Leser, sich schnell auf das zu konzentrieren, was wichtig ist: die Geschichte.

Vermeide Angaben zum Datum auf der Titelseite. Es kann gut sein, dass dein Drehbuch zur Seite gelegt wird. Wird das Buch später wieder in die Hand genommen, lässt nichts dein Drehbuch älter aussehen als eine Datumsangabe.

Drehbuch verfassen: Drehbuchprogramme und Software

Screenwriting-Software macht die Erstellung eines Industriestandardskripts einfach und unkompliziert. Das sind Programme wie Final Draft und Movie Magic Screenwriter setzen deine Worte beim Drehbuch schreiben in das richtige Drehbuchformat um, sodass Sie sich auf eine gut erzählte Geschichte konzentrieren können und nicht auf die Arbeit an Rändern und Abständen.

Es gibt auch ein breites Spektrum an Entwurfs- und Entwicklungssoftware, die dir dabei hilft, deine Gedanken zu ordnen, bevor du mit dem Schreiben beginnst. Beliebte Software für die Entwicklung und das Schreiben von Drehbüchern sind:

• Save the Cat: ein Programm, das sich auf die bewährten Methoden des erfolgreichen Drehbuchautors Blake Snyder konzentriert. Top Gun Maverick wurde damit geschrieben.
• Dramatica Pro: eine Schritt-für-Schritt-Anleitung für den Erzählprozess.
• Contour: ein charakterbasiertes Strukturierungssystem.

Wenn du ein Programm willst, das Story-Entwicklung und Formatierung kombiniert, schaue dir Movie Outline an, ein All-in-One-Entwicklungspaket, das Step-Skizzen zum Drehbuch schreiben, Erstellen von Szenen und die Montage verwendet. Es enthält sowohl Outline- als auch Submission-Tracking-Funktionen enthält.

Was ist ein Spekulationsskript und Produktionsskript?

Ein „Spekulationsskript“ bedeutet wörtlich, dass du ein Filmskript ohne Auftrag verfasst hast. Das heißt, niemand hat dich für das Drehbuch schreiben bezahlt. Du schreibst in der Hoffnung, später an einen Produzenten dein Drehbuch verkaufen zu können.

Ein professioneller Autor ist ein Amateur, der trotz seiner Misserfolge nicht aufgegeben hat.
Richard Bach

Sobald ein Drehbuch gekauft wurde und du gegen Bezahlung arbeitest, wird dein Drehbuch zu einem Produktionsskript.

Das Produktionsskript ist die Version des Drehbuchs für die Filmproduktion. Es enthält technische Anleitungen, wie Notizen zum Filmschnitt, Aufnahmen, Schnitte und Ähnliches. In ihm sind die Szenen nummeriert.

Spätere Revisionen werden mit einem farbcodierten System gekennzeichnet. Damit kann die Filmproduktion (meist die 1. Regieassistenz) in Zusammenarbeit mit dem Regisseur die Reihenfolge der Szenen für eine möglichst effiziente Nutzung der Ressourcen einfacher festlegen.

Wenn du nicht nur ein Drehbuch schreiben, sondern dieses auch selbst inszenieren willst, dann versuche dich als unabhängiger Filmemacher.

Zusammengefasst

Vorlage für einen Drehbuchvertrag

Wenn du einen Vertrag benötigst: erstmals, Gratulation! Denn das bedeutet, du hast jemanden, der die Rechte an deinem Filmscript erwerben will. Oder dir für das Drehbuch verfassen einen Auftrag gibt. Beides ist schon eine Leistungsstufe, die viele Autoren leider nicht schaffen.

Hier findest du eine Gratis-Vorlage mit einem Muster für einen Drehbuchvertrag und weitere Informationen.

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Dieser Artikel wurde erstmals publiziert am 07.08.2018